Photographie Cinématique 101

Le style cinématographique a récemment gagné en popularité. Fondamentalement, une image cinématographique possède une atmosphère, un cadre et un récit puissants, semblables à une image figée extraite de l'une de vos productions cinématographiques préférées. Les photographes peuvent utiliser le langage visuel du cinéma pour créer des images cinématographiques, car la photographie et la cinématographie ont de nombreux sujets et approches en commun.

Le spectateur peut être attiré par des éléments subtils qui font allusion à un récit, à une émotion ou à une ambiance. Cela implique également de donner à nos photos un style distinct, grâce à des ajustements de tonalité, de composition, d'éclairage ou de paramètres de l'appareil photo.

Vous reconnaissez l’aspect cinématographique lorsque vous le voyez dans les films. Un ratio d'aspect plus large permettra à vos images d'atteindre cette taille. Vous pouvez modifier le ratio d'aspect sur votre appareil photo pour le mettre en 16:9 ; cependant, si vous souhaitez un ratio d'aspect plus large, tel que 1.85:1 ou 2.35:1, vous devrez recadrer l'image en post-production.

Pour vous assurer que votre image aura un aspect cinématographique après recadrage, utilisez la vue en grille de votre appareil photo. Cela vous permettra d'ajuster la prise de vue afin que tous les éléments dont vous avez besoin dans votre photo restent après le recadrage du haut et du bas de l'image.

Il est également recommandé de capturer vos images avec un cadre plus large que nécessaire, c'est-à-dire avec un espace supplémentaire autour de votre composition désirée. Cela vous permet de recadrer l'image pour l'ajuster à la composition que vous avez en tête en post-production.

En photographie, l'ouverture contrôle la quantité de lumière qui pénètre dans l'appareil photo. À l’aide des valeurs d’ouverture, également appelées rapport de distance focale, rapport f ou nombre f, vous pouvez modifier l’ouverture de l’objectif de l’appareil photo. La profondeur de champ et l'exposition de votre photo sont déterminées par l'ouverture de l'objectif de votre appareil photo. Pour créer un portrait cinématographique, il est important de comprendre comment fonctionne l'ouverture.

Voir aussi: L’ouverture expliquée

Si vous utilisez des ouvertures plus larges, généralement entre f/1.4 et f/5.6, vous créez une faible profondeur de champ et obtenez un arrière-plan flou. Cela vous permet d'améliorer l'impact visuel de l'image et de focaliser l'attention sur le sujet.

La technique d'amplification et de modification des couleurs d'une photographie est appelée "étalonnage des couleurs cinématographiques". Elle vous permet d'obtenir l’impression visuelle que vous souhaitez. Les couleurs influencent les sentiments des spectateurs.

L'éclairage cinématographique renforce l'intrigue en ajoutant de la profondeur, du drame et une l'ambiance qui au-delà de celle de la configuration traditionnelle de l'éclairage à trois points. Certaines techniques d'éclairage telles que la réflexion de la lumière, le filtrage de la lumière et la modification des températures de couleur sont utilisées pour améliorer la luminosité de vos clichés.

L’espace choisi est un aspect fondamental de la photographie cinématographique, car il peut considérablement influencer l'ambiance, l'atmosphère et le récit d'un film ou d'une photographie. Cela peut inclure la mise en scène, l'esthétique visuelle, la présence de symboles, l'impact émotionnel, le contraste visuel et la texture.

La superposition donne aux photos plates et bidimensionnelles l'apparence de la tridimensionnalité. Votre image deviendra plus intéressante aux yeux du spectateur si vous disposez des personnes ou des objets sur plusieurs plans pour construire un récit sur l'ensemble de la prise de vue.

Les photographes qui adoptent une approche cinématographique peuvent susciter de l'empathie pour leur sujet en utilisant certains indices visuels. Le directeur de la photographie guide la réaction émotionnelle du public en utilisant des plans larges qui mettent en valeur l'environnement du personnage et des plans rapprochés qui mettent en évidence de légers mouvements faciaux.

Le plan très large capture une région très vaste pour montrer l'échelle des choses par rapport à leur environnement, telles que de petits oiseaux dans une forêt. Habituellement, il sert de plan d'établissement lors du passage d'une grande métropole à une autre.

Un plan moyen, également connu sous le nom de plan taille (PT), est pris à une distance moyenne du sujet. En plus d'être utilisé pour des situations de dialogue, il montre également l'environnement et le langage corporel du sujet. Il permet de cadrer plusieurs sujets, une partie de l'arrière-plan et l'ensemble de la zone.

Le plan large, également appelé plan général ou plan large, est un plan pris à une distance considérablement plus proche, permettant aux spectateurs d'avoir un meilleur aperçu de l'action, sans être trop près de l'action pour s'y investir émotionnellement. Bien qu'encore assez éloigné pour permettre un plan d'ensemble, il est également plus proche de la caméra. Cela peut être utilisé pour donner l'impression que votre public est un observateur occasionnel, par exemple dans le cas de vos sujets traversant la rue main dans la main.

Une vue depuis un angle de caméra bas sur l'axe vertical, en dessous de la ligne de l'œil, regardant vers le haut, est appelée plan en contre-plongée. Il peut même être juste en dessous des pieds du sujet. La personne apparaît alors plus imposante.

Un plan entier est un type de plan de caméra où le corps complet du personnage s'étend du haut vers le bas du cadre. Un personnage est encadré de la tête aux pieds dans un plan entier. Avec l'utilisation de ces images, le spectateur peut voir les caractéristiques physiques, les activités et les émotions d'un personnage sur son visage. Lors de l'utilisation d'un ou plusieurs personnages, un plan entier peut efficacement transmettre le contexte et le contexte du personnage.

Tout plan destiné à présenter et à définir les éléments d'une scène dans un film, une émission de télévision ou tout autre type de matériel vidéo est par définition un plan d'établissement. Les détails de mise en place de base tels que le lieu, l'heure de la journée, les personnages, les objets et tout ce qui est pertinent pour l'environnement réel sont inclus dans ces aspects.

Un plan subjectif, souvent appelé plan à la première personne, caméra subjective ou plan subjectif, est une courte scène cinématographique encadrée comme si elle était vue à travers les yeux d'un personnage (le sujet).

Un plan aérien est un plan pris d'un point de vue plus élevé que ce qui est cadré dans l'image. Les spectateurs peuvent mieux comprendre ce qui se passe en dessous grâce aux images aériennes, tant littéralement que figurativement.

Connue sous plusieurs noms tels que "angle incliné" ou "angle oblique", la prise de vue en angle incliné est une technique de cadrage très efficace que tout directeur de la photographie doit maîtriser. Un degré de rotation de l'axe de roulis de la caméra permet d’obtenir un angle incliné. Pour faire reposer votre caméra de manière inégale sur une surface, imaginez placer du carton sous l'un de ses côtés. En fonction de la scène et du contexte, l'angle néerlandais est généralement utilisé pour créer un sentiment de malaise chez les spectateurs.

Vous pouvez donner à votre photographie cinématographique plus de profondeur et de richesse en utilisant ces stratégies, qui inciteront les spectateurs à interagir et à examiner l'image à plusieurs niveaux. Par exemple, l'incorporation de caractéristiques floues au premier plan de votre cadre peut servir à accentuer la profondeur de l'image et à attirer le spectateur. De manière similaire, la profondeur peut également être créée en prenant des photos à travers des éléments de paysages, comme des feuilles ou une fenêtre ouverte. Considérez les situations du point de vue du premier plan, du milieu et de l'arrière-plan, puis essayez de trouver une méthode pour les différencier.

En photographie, le format de fichier le plus largement utilisé est le JPEG (Joint Photographic Expert Group). Il vous permet de stocker plus de données sur votre appareil photo en comprimant les images numériques sans perte de qualité discernable. Mais cela limite la quantité de traitement que vous pouvez effectuer avant que la qualité ne commence à diminuer.

Les appareils photo numériques, tels que la série Canon R System, peuvent capturer des images au format RAW. Les formats d'image RAW préservent plus de détails et de couleurs dans les images et offrent une plage dynamique plus élevée. Cela vous donne une plus grande flexibilité pour modifier vos images sans compromettre la qualité et les détails.

Les images de films ont souvent une forte symbolique de lieu et de contexte. Pour ajouter des éléments significatifs à l'image, utilisez les formes et les objets entourant le sujet. Par exemple, faites en sorte d’inclure de l'herbe au premier plan de votre photo si votre sujet est dans un champ. Si vos sujets sont dans un petit espace, prenez une photo à travers une fenêtre pour montrer à quel point ils se sentent à l'étroit. Recherchez des perspectives intéressantes à photographier et pensez à des façons créatives d'incorporer l'environnement dans votre image.

La mise en valeur du sujet est une méthode fréquemment utilisée dans les scènes cinématographiques. Cela implique de photographier ou d'éclairer votre sujet d'une manière qui le distingue du fond. Pour cela, utilisez une grande ouverture pour fournir une faible profondeur de champ et un arrière-plan flou. L'objectif idéal est un objectif fixe avec une ouverture maximale large, comme un 50mm f/1.4. En plus d'utiliser une grande ouverture, vous pouvez utiliser des longueurs focales plus longues et éloigner vos sujets de l'arrière-plan pour les faire ressortir du fond.

En cinématographie, on utilise souvent le contre-jour. Pour éclairer les marges de la silhouette du sujet, il faut placer une source de lumière derrière eux, comme le soleil, une lampe ou un réflecteur. Une lumière forte et dure pourrait mettre en valeur le corps bien défini du personnage dans un film de super-héros. Un contre-jour délicat qui sépare délicatement le sujet du fond peut aussi être utilisé dans un drame historique. Pour faire rebondir la lumière du côté ombragé du sujet, utilisez un flash, un réflecteur ou une surface à proximité, comme un mur blanc.

Une photo cinématographique devrait ressembler à une scène de film et transmettre une histoire. Ajouter une narration peut aider à créer une ambiance et à suggérer une narration dans la scène. Capturez alors des expressions intéressantes chez vos sujets, utilisez des éléments organiques (par exemple quelqu’un qui boit une tasse de café), ou incluez des situations naturelles comme converser, regarder quelque chose ou pleurer.

Les photos cinématographiques manifestent souvent un contraste entre les zones lumineuses et sombres, avec certaines parties de l'image qui se trouvent dans l'ombre. Filmer de la lumière vers l'obscurité ou de l'obscurité vers la lumière est une méthode pour obtenir des prises à fort contraste de qualité.

Les éléments du premier plan, du plan moyen et de l'arrière-plan peuvent donner à vos photographies un aspect tridimensionnel et améliorer la profondeur de votre photographie cinématographique. Pour attirer l'attention du spectateur sur l'image et ajouter des niveaux d'attrait visuel, utilisez des lignes directrices ou un cadrage naturel. Essayez de varier la profondeur de champ en maintenant le premier plan et le plan moyen nets tout en utilisant une grande ouverture pour flouter l'arrière-plan. Vous pouvez même faire l’inverse, afin d’avoir un impact et un résultat différent. Pour transmettre la perspective et la taille, incluez des personnes ou des objets à l'avant. De plus, pensez à mettre en lumière différents éléments à l'intérieur du cadre en utilisant la lumière et l'ombre pour ajouter du caractère et de la profondeur.

La façon dont les gens voient votre sujet peut être influencée par la hauteur et l'angle de la caméra. Cette méthode est utilisée par de grands cinéastes pour les aider à représenter leurs personnages d'une certaine manière, et la même notion s'applique aux photos fixes. Par exemple, un angle de caméra qui regarde la personne d'en bas peut la faire paraître forte, mais un angle de caméra qui regarde vers le bas peut la faire paraître faible ou vulnérable. D’un autre côté, prendre des photos au niveau des yeux favorise l'empathie pour le sujet. Cela met le spectateur au même niveau que le sujet, ce qui fonctionne particulièrement bien lorsque vous photographiez des enfants.

La photographie cinématographique demande un sens aigu du temps et de la composition pour capturer le mouvement. Lors du suivi d'un sujet en mouvement, utilisez des tactiques comme le panoramique pour garder la cible nette tandis que l'environnement se floute. Essayez de varier la vitesse d'obturation pour créer un flou artistique ou un gel. Utilisez une variété d'angles et de points de vue dynamiques pour capturer le mouvement et l'intensité de la scène. Pour ajouter plus de mouvement et de drame, faites attention au contraste et à l'éclairage. Enfin, pour produire des photos visuellement frappantes qui transmettent un sentiment de mouvement et de vie, n'hésitez pas à explorer et à repousser les limites des approches conventionnelles.